Lo que el viento se llevo - Mari Carmen Funez Lo que el viento se llevo - Mari Carmen Funez

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Lo que el viento se llevó – Análisis de Mari Carmen Fúnez

Mari Carmen Fúnez

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No sé cuántas veces he visto Lo que el viento se llevó. Soy capaz de recordar escena por escena, diálogo por diálogo de una de las películas más importantes de la historia del cine, y la preferida de la que suscribe esta entrada. Al margen de la retahíla de premios ganados por la película, de la enorme producción con un presupuesto de más de 4 millones de dólares, hasta entonces nunca invertidos en ningún otro largometraje, convirtiéndola en la película más lujosa y espectacular filmada hasta ese momento, creo que es una de las películas más perfectas que se han hecho nunca por distintas razones.

A pesar de que en los créditos aparece Victor Fleming como único director de la película, lo cierto es que Lo que el viento se llevó pasó por la batuta de varios directores, empezando por George Cukor que abandonó el rodaje para dirigir Mujeres, pero siguió dirigiendo clandestinamente a Vivien Leigh y Olivia de Havilland ayudándolas con sus respectivos papeles. Otros directores que tomaron las riendas en distintos momentos del rodaje fueron Sam Wood, que sustituyó a Fleming en una de sus espantadas de varios días por desavenencias con la protagonista, y por supuesto el productor de la película, David O. Selznick, que contribuyó a la dirección tanto o más que los mencionados directores. Selznick personalmente influyó en el diseño de vestuario, en el departamento de maquillaje para realzar la belleza de su protagonista tanto en el lujo como en la pobreza, en la dirección de fotografía dando instrucciones al departamento de iluminación y filtros, e incluso adaptando sus ideas del color a los expertos de Technicolor, logrando así la maravilla cromática que acabó siendo Lo que el viento se llevó. Nunca antes se habían visto los rojos del atardecer con tanta intensidad como en esta película, ni una panorámica tan espectacular como la que la cámara va recogiendo mientras se abre para mostrar toda la estación de Atlanta plagada de cuerpos moribundos, terminando con la bandera confederada hecha jirones en primer plano.

Analisis - Lo que el viento se llevo - Bandera

Lo que el viento se llevó es además una de las pocas historias que en aquella época se hacían sobre un conflicto armado, en el que no se incluía ninguna imagen de las batallas, sino que se incidía más en las consecuencias económicas, morales y emocionales del resultado de la guerra, con escenas tan potentes como la del músico llorando por la pérdida de un ser querido mientras toca el himno confederado para mantener el ánimo de los ciudadanos de Atlanta. Además, el hilo conductor de la película es una historia de amor a tres bandas, otra de las diferencias con las películas belicistas existentes, y protagonizada por una mujer. La historia que todos conocemos es la de la joven y alocada Escarlata O’Hara que descubre que su gran amor Ahsley se va a casar con su prima el mismo día en el que se declara la Guerra de Secesión americana. Narrada desde el bando confederado, se muestran los desastres de la guerra mientras Escarlata trata de huir de Atlanta precisamente con la esposa de su amado y volver junto a su familia en la hacienda que poseen en los vastos campos de Georgia. Tras enviudar dos veces, acepta casarse con el renegado Rhett Butler con quien mantiene una relación tormentosa sin olvidar a su querido Ashley.

Inolvidable también es su mítica banda sonora compuesta por Max Steiner, perfecta partitura que dota de, aun si cabe, más fuerza a la película. Las piezas que Steiner compuso para los distintos paisajes o personajes de Lo que el viento se llevó, son ya parte de la historia sonora del cine, con temas tan bellos y alegres como los que acompañan a las escenas de baile o la de la fiesta con la que se inicia la película, reflejo del esplendor que reinaba en los estados sureños, y que poco a poco van tomando forma de orquestaciones épicas y dramáticas a tono con el desarrollo de la historia. Pero el tema más recordado es sin duda el tema de Tara que se escucha en los créditos iniciales, finales y en escenas tan inolvidables como en la que Escarlata totalmente devastada, jura por Dios que nunca volverá a pasar hambre, y que da paso a lo que se considera la segunda parte de la película. Y es que Lo que el viento se llevó, a pesar de ser concebida como una única película, tiene dos partes bien definidas. Su excesivo metraje de casi cuatro horas de duración, dividen la trama entre los años de la guerra primero y las consecuencias de ésta después, dando más importancia en esta segunda mitad a la historia de amor entre Escarlata y Rhett.

Analisis - Lo que el viento se llevo - Scarlett

Otro de los aspectos que hace única Lo que el viento se llevó, es una de las galerías de personajes más desarrolladas y con unas personalidades mejor definidas de la historia del cine. Rhett Butler, vividor y especulador que aprovecha la guerra en beneficio propio sin tomar partido por un bando u otro. Enamorado de Escarlata, no soporta la idea de no ser correspondido por su mujer, obsesionada por otro hombre. Ashley Wilkes, el tercero en discordia, un pusilánime cobarde y egoísta, más preocupado por el honor, las apariencias y por las leyes no escritas de los caballeros del sur que por aceptar sus propios sentimientos, aunque ello signifique dañar los de otra persona. Melania Hamilton, esposa de Ashley, una mujer bondadosa y generosa capaz de pasar por alto que hay otra mujer enamorada de su marido, por su capacidad de agradecimiento hacia ella por salvarle la vida.

El personaje de Melania resulta de entrada irritante por esa bondad que rezuma por los cuatro costados, pero es la catalizadora que mantiene la paz y la cordura entre quienes la rodean. El elenco de personajes secundarios es igualmente rico en matices, sin que exista prácticamente alguno que no aporte algo a la historia ni que sea único y reconocible, empezando por la primera actriz afroamericana en ganar un Oscar por su papel en esta película, que no es otra que Hattie McDaniel por su papel de la gran Mammy, esclava de la familia O’Hara que hace las veces casi de figura materna para Escarlata, o uno de los grandes secundarios durante 3 décadas como fue Thomas Mitchell, interpretando al patriarca de los O’Hara estricto y condescendiente a la vez con sus hijas, enloquecido por la pena de la guerra y la muerte de su mujer.

Moviecrazy - Lo que el viento se llevo - Escarlata Ohara y Mammy

Pero indudablemente, Lo que el viento se llevó tiene un solo nombre: Escarlata O’Hara. Escarlata es la película, es la historia concebida por Margaret Mitchell y a día de hoy uno de los personajes más maravillosos que existen en el Olimpo de la cinematografía universal. No es de extrañar que miles y miles de actrices del momento se disputaran el papel con uñas y dientes, y que incluso los fans de la obra de Mitchell inundaran el buzón de Selznick con propuestas para el personaje. Pero sólo una actriz estaba destinada a ser Escarlata. “Quiero presentarte a Escarlata O’Hara” fueron las palabras que el agente de Hollywood Myron Selznick le dijo a su hermano el 10 de diciembre de 1938 mientras observaba arder los decorados de King Kong simulando el incendio de Atlanta, señalando a una joven actriz llegada de Inglaterra de la mano de su amante Laurence Olivier, la bellísima Vivien Leigh.

Su elegancia británica, la delicadeza de su rostro, su mirada intensa y fría a la vez y su naturaleza depresiva y neurótica, dotaron a Escarlata de una personalidad arrolladora difícilmente superada por cualquier otra actriz que le hubiera dado vida. Escarlata es un ser contradictorio. Tiene un corazón frágil que se rompe cada vez que su capricho inalcanzable Ashley le niega su amor, y a la vez una mente fría y calculadora capaz de hacerla levantar de cualquier caída con más fuerza y sobrevivir a cualquier precio. Muchos tachan a Escarlata de egoísta y manipuladora, pero sabedora de su poder de seducción con los hombres, lo utiliza en pro no sólo de su propia supervivencia, también de la de su familia, sus tierras y hasta de la mujer que ella considera que le ha arrebatado al amor de su vida. Una de las frases más famosas de la película, “…aunque tenga que estafar, ser ladrona o asesinar, a Dios pongo por testigo de que jamás volveré a pasar hambre”, condensa toda la fuerza y el espíritu de superación tan grande que Escarlata posee en su interior y que disfraza de puro egoísmo ante los demás, hasta el punto de ser capaz de casarse con el prometido de su hermana sólo para sacar a la familia de la ruina. Ni siquiera cuando cree ser consciente del amor que siente por Rhett y éste la abandona, pierde sus ganas de luchar y su capacidad para priorizar sus intereses, “volveré a Tara, la recompondré, saldré adelante y después pensaré cómo hacerle volver”, son los pensamientos de alguien que no se rinde jamás por muy duros que sean los palos que la vida le da.

Moviecrazy - Escarlata y Rett

A pesar de rodarse en poco más de 100 días, la preparación previa de Lo que el viento se llevó llegó a durar casi tres años, entre adaptaciones de la novela, búsqueda de los protagonistas y desacuerdos entre directores que hacían presagiar un gran descalabro de la película. Afortunadamente no sólo no lo fue sino que hasta muchos años después siguió siendo la película más vista y rentable de la historia. Lo que el viento se llevó es más que una película, es una experiencia maravillosa que merece ser vivida al menos una vez en la vida, de la que cada vez que se ve se sacan nuevas lecturas y nuevos aspectos en los que no se había reparado antes. Evidentemente, recomendable al 100%.

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Kaya
Miembr@

Fantástico!!! Me ha encantado.

Noe
Miembr@

Fantástico artículo. He aprendido mucho!!!!!! No es de mis favoritas pero creo que le dare otra oportunidad.

El Gran Leblogski
Admin

Es estupendo, sí. Un lujo.

Quieres saber algo de ‘Lo que el viento se llevó’? Better call Mari Carmen. 😀

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Miriam Hopkins, otra gran olvidada del Hollywood Clásico

Miriam fue una de las actrices más famosas de los años 30. Pocos pueden presumir de haber trabajado en tres películas casi consecutivas del mago Lubitsch, cosa que hizo nuestra protagonista en 1931, 1932 y 1933 con The Smiling Lieutenant, Trouble in Paradise y Design for Living.

El Gran Leblogski

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Moviecrazy - Miriam Hopkins

Miriam Hopkins, pequeña de estatura pero enorme actriz, fallecía un 9 de octubre de 1972 a causa de un infarto de miocardio.

Miriam fue una de las actrices más famosas de los años 30. Pocos pueden presumir de haber trabajado en tres películas casi consecutivas del mago Lubitsch, cosa que hizo nuestra protagonista en 1931, 1932 y 1933 con The Smiling Lieutenant, Trouble in Paradise y Design for Living, y en cuatro de William Wyler: These Three (1936), The Heiress (1949), Carrie (1952) y The Children’s Hour (1961).

En la fantástica Design for Living volvía a encontrarse con Fredric March dos años después de sufrirlo en la que es, en mi opinión, la mejor adaptación hecha de Dr. Jekyll and Mr. Hyde. Olvidad la versión de Spencer Tracy e Ingrid Bergman, aquí se percibe la maldad de Hyde en cada fotograma y Miriam demuestra por primera vez con su extraordinaria interpretación que la fórmula de su popularidad no estaba compuesta exclusivamente por escándalos.

Archienemiga de Bette Davis, investigada por el FBI durante más 15 años, madre soltera de un niño adoptado (que para la época era muy poco común), casada cuatro veces y con innumerables romances a sus espaldas, bisexual, temperamental y caprichosa, la vida privada de Miriam hacía que Lindsey Lohan parezca Blancanieves a su lado.

Moviecrazy - Miriam Hopkins y Bette Davis boxeando

Miriam Hopkins y Bette Davis dispuestas a darlo todo en el ring

Con Bette Davis coincidió en dos películas: The Heiress (1939) y Old Acquaintance (1943). Miriam estaba convencida de que Bette tenía una aventura con su marido (el director Anatole Litvak) y Davis, que no rehuía precisamente un buen cruce de hirientes declaraciones y menciones en la prensa, tuvo en Hopkins un buen sparring para su legendaria relación de odio-odio con Joan Crawford.

Precisamente después de Old Acquaintance, Miriam hizo un pequeño paréntesis y estuvo seis años sin pisar un plató de cine, para volver en 1949 con la mencionada The Heiress. Ya en los años cincuenta y sesenta combinó su trabajo en la gran pantalla con numerosas apariciones en programas de televisión, que se convirtieron a la postre en su hogar profesional hasta que se retiró definitivamente del show-business en 1970.

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Lo que pudo ser y no fue – Primera parte

El Gran Leblogski

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Gene Tierney - Laura

Aquí tenemos presentadas, sin orden ni concierto, diez portentosas e inolvidables interpretaciones con su correspondiente película. Aunque ahora no podamos imaginar esas obras sin ellos, lo cierto es que ninguno de los actores fueron propuestos inicialmente para el papel.

1. Laura. Jennifer Jones, Hedy Lamarr > Gene Tierney

Tanto Jennifer como Hedy rechazaron voluntariamente el papel de Laura. “Si además del guión me hubiesen enviado la banda sonora…” parece ser que dijo Lamarr una vez vista la película. Cierto es que la música de ‘Laura’ es fascinante pero amiga Hedy, craso error el tuyo.

 

Paul Newman - La gata sobre el tejado de zinc

2. Cat on a Hot Tin Roof. Ben Gazzara > Paul Newman

Gazzara había interpretado a Brick en la obra teatral de Broadway y no quiso saber nada de la película cuando le ofrecieron repetir en la adaptación cinematográfica.

 

Clark Gable - Claudette Colbert - Sucedio una noche

3. It Happened One Night. Robert Montgomery > Clark Gable

Montgomery era buen actor y un tipo carismático, pero no se hubiera ganado la vida como guionista o crítico literario. Rechazó el papel diciendo “Es lo peor que he leído jamás”. Bien por ti, Robert.

4. It Happened One Night. Miriam Hopkins, Myrna Loy, Constance Bennett > Claudette Colbert

En descargo de Robert Montgomery hay que decir que en un principio nadie se volvió loco cuando recibió el guión de esta maravillosa película. Miriam Hopkins pasó del tema, lo mismo que Constance Bennett y Myrna Loy. Claudette aceptó con la condición de cobrar el doble de lo habitual y poder finalizar el rodaje en cuatro semanas. ¡Qué paciencia la de Capra!

 

Joan Crawford - Mildred Pierce

5. Mildred Pierce. Bette Davis, Rosalind Russell > Joan Crawford

Con todo lo que luchó Joan para conseguir el papel (recompensado luego con un Oscar) como para que se lo pisaran otras, especialmente Bette Davis.

 

Humphrey Bogart - El ultimo refugio - High Sierra

6. High Sierra. Paul Muni, George Raft > Humphrey Bogart

Este es un clásico y no me refiero a la película, que también, sino a los desastrosos descartes de George Raft que casi siempre beneficiaban a Bogart. Un poco más de información aquí.

 

Rosalind Russell - Luna Nueva

7. His Girl Friday. Jean Arthur, Carole Lombard, Ginger Rogers, Claudette Colbert, Irene Dunne  > Rosalind Russell

¿Mi comedia favorita de todos los tiempos? Probablemente. Pero a lo que vamos: menudo plantel de rechazos para interpretar a la adorable Hildy. Gracias a Dios, Jean Arthur, que fue la primera elección de la Columbia dijo que no. Parece ser que tuvo sus más y sus menos con Howard Hawks durante el rodaje de ‘Only Angels Have Wings‘ el año anterior y no quiso repetir experiencia. Del resto… quizá Carole Lombard o Irene Dunne, pero no puedo imaginarme ninguna Hildy mejor que Russell.

 

Ray Milland - Dias sin huella - The Lost Weekend

8. The Lost Weekend. José Ferrer > Ray Milland

Pues sí, José Ferrer era quien tenía en mente Billy Wilder para interpretar a Don Birnam pero el amigo José declinó la oferta. Mi debilidad por Ray Milland me impide ser objetivo así que no tengo motivo de queja. Lo que sí sorprende, y mucho, es que se barajara a Cary Grant para el papel. El señor Leach hacía bien todo pero… no sé, no sé.

 

Robert Redford - Sundance Kid

9. Butch Cassidy and the Sundance Kid. Jack Lemmon > Robert Redford

Este sí que no. De ninguna manera. Todos adoramos a Lemmon y quizá nos habría sorprendido gratamente pero no puedo hacerme a la idea.

 

Lawrence Olivier - Rebecca

10. Rebecca. Ronald Colman, William Powell > Laurence Olivier

Al gran Ronald Colman no le convencía demasiado participar en un proyecto que, según él, estaba pensado para el lucimiento de la protagonista femenina. Una lástima porque podría haber hecho un perfecto ‘Max’ de Winter. William Powell y Laurence Olivier entraron en escena (nunca mejor dicho) y afortunadamente Olivier se hizo con el papel al aceptar un salario menor que el que pedía Powell.

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